До 29 сентября, в галерее искусства стран Европы и Америки XIX–XX, где традиционно находилась часть постоянной экспозиции Пушкинского музея, располагаетсяодно из лучших в мире собраний послевоенного и современного искусства — коллекция Fondation Louis Vuitton.
Моя большая мечта изучать история современного искусства, знакомясь «вживую» с работами знаковых художников, экспонирование которых разбросано по всему миру. Поэтому, когда к нам приезжают суперзвезды такой величины как Ив Кляйн, Энди Уорхол, Альберто Джакометти, Герхард Рихтер, Жан-Мишель Баския и Марина Абрамович, не увиться с ними, это преступление против самого себя.
Fondation Louis Vuitton является одним из самых новых культурних центров Парижа. Фонд был создан в 2014, в Булонском лесу, для поддержки молодых талантов и новаторских идей в области искусства. Постоянная коллекция фонда состоит из работ современных художников и произведений ведущих мастеров ХХ века. Fondation Louis Vuitton поддерживает молодых художников, заказывая им новые работы для своей коллекции.
Экспозицию, которая, к слову, изменила пространство до неузнаваемости, открывают Альберто Джакометти и Ив Кляйн. Признаюсь, честно, к скульптуре, даже такого классика как Джакометти я отношусь сдержано. По всей видимости до понимания этого вида искусства нужно еще дорасти.
А вот полотно «Антропометрия, без названия (ANT 104)» — часть скандального перфоманса Ива кляйна, я изучала достаточно долго. Какое же это счастье, наконец, вживую увидеть фирменный синий Кляйна!
Перфомансы Ива Кляйна заключались в серии постановок, где художник, облив краской, запатентованного фирменного цвета International Klein Blue, обнаженных моделей, превращал их в «живые кисти». После этого «кисти» должны были прижаться к стоящим на полу большим белым доскам, покрытыми огромными листами бумаги своими раскрашенными телами.
Перфомансы выглядели, как светские рауты: собравшихся гостей угощали синими коктейлями, а приглашенные музыканты исполняли музыкальную композицию, сочиненную самим художником, которая состояла из одного аккорда, непрерывно повторяющегося на протяжении 20 минут.
Особое внимание привлекли работы самого дорогого художника Европы, из ныне живущих, Герхарда Рихтера. Художнику сейчас 87 лет, и он пишет по сей день, создавая только беспредметную живопись. Рихтер считает, что реалистичное изображение не способно передать весь спектр ощущений и мыслей. Про свои работы художник немногословно говорит: «мои картины умнее меня, пусть они говорят за себя сами».
Привлекли меня, больше даже не сами работы, а мнимое личное знакомство с Рихтером по фильму «Работа без авторства». Это художественный рассказ трагичной истории, основанной на реальных событиях, из жизни немецкого художника. В фильме очень подробно и точно изображен творческий процесс, от чистого холста, через все мучения и ошибки, в конечном итоге приводящие к открытиям.
-
Фрагмент Герхард Рихтер «Гудрун», 1987 -
Фрагмент картины Герхард Рихтер «Сирень», 1982
Невероятно красивый, наполненный эстетикой, местами наполненный трагичными сценами нацистской Германии, однозначно лучшее что я видела за последнее время и обязателен к просмотру каждому, кто хоть немного интересуется искусством.
Кстати, не смотря на превосходную картину и номинацию фильма на «Оскар», сам Рихтер остался недоволен результатом, хотя перед началом он достаточно полотно сотрудничал с творческой группой, консультировал режиссера и даже разрешил пригласить его ассистента для воссоздания своих полотен.
Изначально этот обор задумывался фильмографическим, так как о личности почти каждого художника, представленного на выставке снят, как минимум один фильм. И конечно же одну из самых загадочных личностей в мире искусства режиссеры не смогли оставить без особого внимания. Жан-Мишель Баския — один из самых знаменитых граффити-художников в мире, который фактически вывел уличную культуру в ранг искусства. Искусствоведы оценивают работы Баския как полноценную живопись. Художник практически вырос на улице, продавая нарисованные открытки по пару долларов, сейчас его картины продаются на престижных аукционах за миллионы долларов.
Первые работы Баския писал на всем, что попадалось под руку – подобранные на помойках покрышки, старые двери. Но и когда у него появилась своя студия и холсты, он сохранил стилистику граффити, брутальный, первобытный подход к изображению. Среди частых тем – сложная судьба темнокожих музыкантов и художников, череп как символ быстротечности жизни, корона, напоминающая терновый венец – еще одна горькая аллегория творческих метаний.
-
Жан-Мишель Баския «Негритянский период»
Успех принес деньги, но для Баския это была довольно странная субстанция. Картины росли в цене, в середине 80-х они продавались по $50 тысяч, но у него не было банковского счета, и он хранил пачки купюр дома среди хлама. Покупал костюмы от Armani, во время работы заляпывал их краской и так и приходил на вернисажи. Богемную жизнь, сопровождали алкоголь и наркотики. В 27 лет художник умер от передозировки.
Ну и не одна история про искусство ХХ века не обходится без упоминания имени Энди Уорхола. Кстати, Уорхол и Баския дружили и плотно сотрудничали вместе.
Они познакомился в одном из нью-йоркских ресторанов во времена бродяжничества Баския. Художник случайно увидев Уорхола, предложил ему приобрести несколько своих открыток. Уорхол согласился, и к тому же пригласил молодого художника пообедать вместе с ним. Тот отказался, сказав, что ему нужно идти. На самом деле Баския побежал в студию, успел написать картину с ними двоими, а затем поспешил назад в ресторан, чтобы подарить ее новому знакомому. В итоге они вместе создали 130 холстов «в четыре руки», в которых поп-арт Уорхола был покрыт граффити.
С творчеством эпатажного художника Энди Уорхола знаком едва ли не каждый, но не многие знают, что работы его об обществе потребления, и он эксплуатировал общество его же методами. Он и самого себя превратил в бренд, став олицетворением всего, что пытался сказать о жадности и тщеславном мире, в котором жил. Его забавляло, когда он слышал, что люди говорили о покупке, не той или иной работы Энди Уорхола, а о «покупке Уорхола». Подразумевая, что произведение искусства ничего собой не представляет ни в интеллектуальном, ни в эстетическом плане. Для покупателя важно было только то, что это фирменный и статусный продукт, поэтому хорошая покупка. То, что, возможно, даже не Уорхол его сделал, тоже не имело значения – главное, чтобы художник признал свое авторство и подтвердил, что работа выпущена из его мастерской, которую он с иронией к коммерческому производству окрестил «Фабрикой».
Выставка открыла для меня Изу Генцкен, размышляющую через причудливые образы своих инсталляций над животрепещущими социальными темами.
Например, работа «Две гладильные доски» представляет собой отсылку к домашним обязанностям, которые, в большинстве случаев, ложатся исключительно на женские плечи. Одна из досок даже иронично украшена цветочной композицией – гнетом домашнего труда, заставляющего тратить огромное количество времени на тяжелую работу, на которую мало кто обращает внимание.
Ну и на последок, мои размышления о том как музейные работники становятся частью инсталляции.
-
Мона Хатум «Шляпа для двоих V» -
Маурицио Каттелан «Чарли не сёрфят»